"Hay mucha gente buena onda en Chile. La gente buena onda le gusta conversar porque leyó unas fotocopias (las mismas que leyó JM Villouta) donde descubrió que el lenguaje construye realidad. GUAU. Y bueno, hay que construir buena onda entonces. La gente buena onda cree en la buena vibra y se junta con más gente buena onda porque la unión hace la fuerza. Deciden, entonces, hacer un movimiento.

La gente buena onda del movimiento habla de cosas serias y no tanto (pero en pura buena onda) porque ellos construyen realidad. Es más, construyen país. Chile, nada más ni nada menos, es el objetivo buena onda del movimiento. La patria, para más señas. Entonces la gente buena onda en el movimiento no le gusta hablar de farándula porque es mala onda y para gente preocupada de nimiedades. Y si dejamos de hablar de las cosas mala onda, como nos ha enseñado Pilar Sordo, desaparecerán de la realidad....

Sinopsis: Cuatro hombres trabajan en un garaje construyendo aparatos altamente complejos. Parte por accidente y parte por diseño, descubren un mecanismo con poderes que les permite conseguir prácticamente todo lo que quieran... una revelación que podría literalmente cambiar el mundo y que pondrá a prueba la relación y confianza entre sus inventores. Compleja película de "puro" cine independiente (su presupuesto fue de 7.000 dólares: "el precio de un coche usado", según palabras de su director, que a su vez es guionista, productor intérprete, montador y compositor de la banda sonora y de la fotografía) cuya narración resulta difícil de seguir (y que puede recordar a las maquinaciones de "Pi"), tensamente dramática y con continuos diálogos que, intermitentemente, incluso se hacen incomprensibles. Con una persuasiva estética visual, "Primer" fuerza al espectador a reconstruir el puzzle de la historia al mismo tiempo que lo hacen los personajes, creando una película que demanda posteriores visiones. Un film calificado de "original, inteligente, complejo".

Comentario: Esta ópera prima de Shane Carruth es más bien una extensa muestra de sabiduría científica que una buena película para disfrutar. No es que sea mala, pero es demasiado presuntuosa y carece enormemente de claridad en su narrativa. Tanto que por culpa de ello varios elementos se pasan desapercibidos, como por ejemplo la excelente y meticulosa fotografía, o las actuaciones principales, que a pesar de ser relativamente novatas están conformemente convincentes, por lo menos mucho más que la trama, o directamente los balbuceos científicos que se discursan durante el metraje.

Ganadora del gran premio del jurado en el festival de Cannes 2004, la cinta de Carruth ha enloquecido a los amantes de las ciencias tecnológicas, pero ha defraudado en gran medida a los seguidores de la ciencia ficción, y en entre ellos me incluyo. Hay un momento clave en la película en la cual nos percatamos de que la trama trata acerca de la transfiguración del tiempo y el espacio; en aquel plano nos percatamos de qué todo el ininteligible argumento empirista de un comienzo tiene sus motivos, sin embargo el impacto causante entre lo que en un momento es convincente y lo que en otro ya es csi – fi pura es muy poco creíble, y de ahí hacia delante la película no hace más que dar giros innecesarios, puesto que el espectador ya no podría estar más perdido.

Es lamentable para mí, que esperaba encontrarme con una astuta cinta de ciencia ficción de bajo presupuesto pero mucha garra, al estilo de ‘Jerome Bixby’s The Man from Earth’ (2007). En cambio, me he topado con una pretenciosa película que se extiende y esmera innecesariamente en otorgar una explicación concisa, pero que demuestra más ostentar una teoría científica que, si bien, no deja de ser interesante, aun es muy complja para ser expuesta al público en general, que (incluyéndome) no está preparado para este tipo de teorías confusas  imposible de vislumbrar a la primera. Quizás en una segunda revisión me guste más. Ya veremos.

La banda liderada por el pelirrojo ex guitarrista de Metallica, brilló por una impecable performance, ante un Arena Santiago completamente lleno.

Dave Mustaine es el corazón de Megadeth. El colorín vocalista, guitarrista y compositor, núcleo de una banda nacida a principios de los ochenta, luego de su despido de Metallica, (Read more)]]> http://cinestesia.bligoo.com/content/view/231406/Borat_2006.html Sun, 13 Jul 2008 16:53:26 -0400 http://cinestesia.bligoo.com/content/view/231406/Borat_2006.html Sebastián Chávez Peńa

Sinopsis: Sacha Baron Cohen, el peculiar protagonista de "Ali G anda suelto", lleva su popular personaje de reportero de Kazakistán llamado Borat a la gran pantalla. El periodista Kazajo debe viajar a Estados Unidos por orden de su gobierno. Allí deberá filmar un documental pedagógico, que recoja lo mejor de la gran potencia para que, de regreso a la "gloriosa nación Kazaja", el país aproveche sus enseñanzas. Pero el trabajo no será tan fácil como parece.

Comentario: Humor agrio y despiadado, y sin embargo sumamente perspicaz, más de lo que parece a simple vista. ‘Borat’ está dirigida por Larry Charles, pero mayormente ameritada al comediante Sacha Baron Cohen, quién además de protagonizar al segundo periodista más famoso de Kazajistán, Borat Sagdiyev, ha escrito la mayor parte del guión que conforma este aparentemente improvisado producto.

‘Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan’ es una cinta suicida, grosera, graciosísima, diabólicamente burlesca, descarada y hasta humillante, pero a pesar de pertenecer al género de los documentales falsos, es tan real que por lo mismo gusta, y por lo mismo también ha hecho gracia al público norteamericano, que en vez de atacar al personaje de Baron Cohen lo han alabado, exclamando que es uno de los mejores análisis sociológicos que se han hecho de la cultura gringa en años. El choque cultural desarrollado a propósito y de forma exagerada es sin duda lo que sustenta el repertorio de Borat, y todo un acierto para el film.  

La productora de esta película ha tenido miles de enfrentamientos con demandas legales de parte tanto de personas que han aparecido en la película, como de diversos países, como Rusia, Alemania o de la propia nación de Kazajistán. Y es que la humillación a este último país es triste, y no obstante innegablemente hilarante, a rabiar de hecho. Lo mismo con los chistes nacionalistas estadounidenses, efectivamente uno se ríe de la realidad, y bueno, también del caricaturesco Borat, que en ocasiones se desborda de donoso.

Entiendo que haya gente que no aprecie este tipo de cine basura, porque en el fondo es idiota y demencial reírse del racismo y de las buenas costumbres, y para mentes más cultas y cinéfilos apasionados por la comedia clásica, esta cinta puede resultar un disparate más del cine actual. Sin embargo, han aparecido comentarios tales como: “no me he reído ni una sola vez”, etc. ¡Eso es imposible! si aunque en la última parte del film se pone un poco latosa la trama, las perniciosas burlas no pararán de sorprenderte y destrozarte de la risa. Por último te causará conmoción, pero de ninguna forma pasará desapercibida.

Comentario: La primera de todas las ‘Rocky’ (dirigida por John G. Avildsen) es, sin dudas, sinónimo de cine en su estado puro. Un film redondo, cargado de emotividad, buenas interpretaciones y una apasionante batalla en el ring por parte del semental italiano, Rocky Balboa (Sylvester Stallone) y su primer contrincante de peso, Apollo Creed (Carl Weathers), que definitivamente marca un antes y un después en la historia de los boxeadores en el cine.

Está joyita, al igual que sus posteriores secuelas, fue escrita por el propio Stallone, un atlético escritor-actor-deportista que ha sabido plasmar muy bien en la pantalla un excelente drama personal, donde los conflictos humanos a ratos se distinguen incluso por sobre la trama principal. Es esto lo que hace que ‘Rocky’ del 76’ se convierta en una gran película de obligado visionado, y que a través de los años siga conmocionando a los amantes del buen cine.

Quizás sus continuaciones hayan arruinado un poco el prestigio de este trabajo (especialmente las ‘Rocky IV’ de 1985 y ‘Rocky V’ de 1990), o puede que sea por el porrazo de la academia, que en vez de otorgarle el Oscar a ‘Taxi Driver’ se lo dio a esta película, porque si bien la cinta de Avildsen es indudablemente valorable, no merecía esa estatuilla más que clásico de Scorsese.

Archivo del 15 de octubre de 2007

Una película de Quentin Tarantino es siempre un festival de cine, una exhibición de perfecta calibración cinematográfica, y en ‘Death proof’ no es la excepción. Tarantino, nos cuenta una historia simple. La cinta consta de dos actos, en el primero, el protagonista asecha en la carretera con su bestial auto a prueba de muerte, a un grupo de cuatro chicas, mientras que en el segundo acto, sus diabólicos planes de acorralar a un nuevo grupo de otras cuatro mujeres, son interrumpidos por las mismas, siendo ahora ellas las que lo asechan a él, invirtiéndose de esta forma los papeles. Con esta mínima descripción de la narrativa, aunque parezca imposible, Tarantino crea, como un Dios, un universo de excelencia fílmica, una atmósfera refrescante de conceptos antológicos para el mundo del cine a la posteridad y, como no, un mar de referencias al séptimo arte en general, homenajeando tanto a su propia filmografía, como a un sinfín de películas claves dentro del catálogo de cintas de persecuciones en autos.

El maestro del cine contemporáneo ha sabido escoger muy bien el reparto, especialmente a los femeninos, al mismo tiempo que, con una precisión increíble, logra crear una ambientación de las mil maravillas, con esos diálogos que tan sólo él sabe escribir, o aquellas meticulosas tomas de ociosa delicadeza, que aunque parezcan imprescindibles en ciertas ocasiones, siempre son recompensadas en algún momento de la cinta, con una que otra explosión de acción y adrenalina, de esas que te ponen los nervios de punta y te dejan clavado al asiento.

Las actuaciones de todas las chicas que conforman el reparto están de lujo. Ninguna de ellas destiñe en calidad interpretativa. Ellas son las heroínas del cuento, las víctimas y las victimarias, todas con un carisma impresionante, cada una con una personalidad inolvidable. Sorprende de veras la actuación de Rosario Dawson, quién deja pequeñas a las demás actrices con su imponente papel de Abernathy. También están excelentes las actrices Vanessa Ferlito, con ese sensual baile de mariposa que realiza exclusivamente para Stuntman Mike, el personaje Kurt Rusell, o la inmensa Zoe Bell, quién fuera doble de Uma Thurman en ‘Kill Bill’, y que ahora, a pedido del mismísimo Tarantino, ha sido incorporada como protagonista de una buena parte de la película, realizando magistrales escenas de alto riesgo y personificándose a sí misma vigorosamente. Sin embargo, el personaje más recordado del film es sin dudas el de Stuntman Mike, interpretado por el excepcional Kurt Rusell. Stuntman Mike es un ex doble de películas de acción de segunda categoría. Un tipo repudiable al que probablemente odiarás después de verle sólo algunos minutos en pantalla. Un psicópata que disfruta de acechar a sus mártires, quienes siempre son féminas, con su diabólico vehículo “a prueba de muerte”, el mismo que utilizaba para hacer las escenas de alto riesgo. Kurt Rusell es un tremendo actor que últimamente no ha sido valorado como lo merece, y que Tarantino rescata, otorgándole un papel que se basa en la grandilocuencia y al mismo tiempo en la decadencia de un excéntrico personaje más de este gran cineasta.

Es indudable el fervor de Tarantino por el cine clásico de autos sobre la carretera, invocando a grandes películas de aquellos años dorados, como ‘Vanishing Point’ por ejemplo, donde la falta de recursos obligaba a que los directores filmaran estas alocadas persecuciones sin ningún tipo de precaución, siendo todo tan real como uno lo estaría viendo frente a la pantalla. Lo mismo ocurre con la última media hora de la película, en la cual el director, con el propósito de crear una de las mejores escenas de persecuciones de autos jamás filmadas en la historia del cine, logra dirigir una estremecedora y perfecta cacería de autos, al mismo tiempo que conmemora el osado cine setentero de este mismo género.

Cualquiera que haya visto algunas de las películas de Tarantino, sabe que la música es siempre fundamental en sus trabajos. El hecho de que algunos de sus diálogos funcionen tan bien, se debe a que adornan de forma excelente la presentación de sus personajes, incluyendo siempre una canción endiabladamente buena. Y no estamos hablando de cualquier canción, pues don Quentin Tarantino es rigurosamente metódico a la hora de escoger los temas que ambienten y estructuren la película. En esta ocasión, nos ha regalado el mejor soundtrack de todos los que ha compilado, con una constante sonoridad añeja que caracteriza el gusto de este curioso director que siempre nos convence de su genialidad con cualquier material al que se dedique a explorar.

En fin, simplemente una película tremenda. No estamos hablando de la mejor de su filmografía, aunque probablemente lo sea, pero lo que sí nadie puede negar es que estamos frente a una obra sumamente inteligente, a pesar de su aspecto de cine chatarra, que nos envuelve en un universo único, que tiene patente propia, y esa misma… es una irrefutable alegoría que sólo un director como Quentin tarantino puede crear.

• Archivo del 28 de diciembre de 2006.

Está demás anunciar que el maestro Alfred Hitchcock es considerado uno de los mejores directores de la historia del cine, e indiscutiblemente, el padre del género “suspense”. Para entenderse de manera más profunda dentro del mundo del séptimo arte, es fundamental pasearse por algunas de las mejores cintas que éste realizador inglés ha plasmado en la historia del cine. Una de ellas es la cautivadora 'La ventana indiscreta' ('Rear Window') de 1954. En esta ocasión demuestra con ganas su innegable capacidad de desplegarse en territorios psico claustrofóbicos, razonando sobre la capacidad humana desde un peculiar punto de vista.

John Michael Hayes crea una adaptación de un cuento corto de Cornell Woolrich, que Hitchcock se preocupa de ejecutar con una académica estrictez, repleta de grados reveladores, en un estilo tan propio de éste legendario cineasta.

El aclamado actor James Stewart interpreta en esta ocasión a Jefferies, un fotógrafo que permanece sobre una silla de ruedas en su departamento debido a un accidente que tuvo en el trabajo, hace algunas semanas atrás. Sin mucho que hacer, pasa el tiempo mirando las demás residencias desde su apartamento, contemplando las vivencias de sus vecinos en detalle con la ayuda de sus prismáticos. En uno de esos vistazos descubre algo raro en una de las moradas. Uno de los vecinos, Lars Thorwald (Raymond Burr), comienza a actuar de manera extraña y muy sospechosa, al mismo tiempo de la repentina desaparición de su mujer. Es por esto que Jefferies, con la ayuda de su novia Lisa (Grace Kelly) y su empleada Stella (Thelma Ritter), decide descifrar tal misterio utilizando una matemática intuición, para luego tratar de convencer al incrédulo detective Doyle (Wendell Corey) -su amigo personal por lo demás- de que ha ocurrido un homicidio.

• Archivo del 24 de diciembre de 2006.
  

Eran las siete de la mañana y mis ojos se negaban a pestañear profundamente, había algo que me inquietaba, algo que no me dejaba dormir. De golpe reparo en que definitivamente esa noche no podría conciliar el sueño por más que lo intentase. Me revuelco de un lado hacia otro escuchando el soundtrack de 'Trainspotting' hasta que, después de tanto desvelo, me animo encender el televisor. La pantalla se ilumina y lo primero que aparece es una vieja película en blanco y negro que justo esta comenzando. Pesco el control remoto y presiono el botón de información para hacerme una idea de que se trataba todo. PELÍCULA: ‘El Caballero sin espada’ ('Mr. Smith Goes to Washington'), AÑO: 1939, DIRECTOR: Frank Capra, PUNTUACIÓN: 4/5 estrellas. Lo primero que me llamó la atención fue la nota, generalmente en todas las películas aparecen dos estrellas como puntuación, y uno que otro film con 3,5/5 a todo reventar. Pero cuatro estrellas era mucho, y eso era sólo un indicio de lo que estaba por venir.

Comencé a ver esta cinta con un leve entusiasmo, es decir, no me imaginaba nada antes de todo, no quise enjuiciarla por la extremadamente pequeña sinopsis que aparecía en el botón del cable: 'Un joven senador es humillado por llevar sus ideales al senado'; sólo me dejé llevar por los diálogos de apertura y el ritmo de la película tan honesto y a la vez prefabricado con total precaución, que en tan sólo unos minutos ya estaba pegado a mi pequeño gran reflector electrónico personal, mi amado televisor.

Jefferson Smith (un recién iniciado James Stewart) es un joven senador que con sólidas motivaciones de hacer el bien a la comunidad, decide introducirse en el terreno político de Washington, gracias a la ayuda del otrora senador Mr. Paine (Claude Rains). Smith admiraba en demasía a Paine por su supuesto compromiso con el pueblo, y gracias a esto decide hacer algo por la gente, algo con el corazón, con la mejor y más pura intención, como pensó que era de verdad el asunto, una tarea limpia y solidaria.

Inevitablemente, todo conlleva a que Smith se meta en una cantidad de líos, rodeado de entes estatales completamente desconsiderados, la mayoría de ellos asegurando su propio pellejo, dejando de lado las necesidades del pueblo, guiados por el sendero del dinero y manejados como títeres por el macro-empresario-senador-corrupto, el señor Jim Taylor (Edward Arnold).

Pero nuestro protagonista no está solo. Clarissa Saunders (mi preciosa Jean Arthur), más que en una secretaria dispuesta a ayudar en lo que sea a su senador favorito, se convierte en la incondicional pareja de este perfecto idealista, y con su absoluto respaldo y sabia experiencia en los asuntos internos y más cotidianos de la política, entrena y aconseja de manera eficaz a Smith.

Con sólidas interpretaciones y concretos diálogos se estructura la frecuencia de este film -merecedor de 11 nominaciones, incluyendo oscar a la mejor historia original-, que conduce de manera inteligente y precisa hacia donde tiene que ir. Perfecta en su composición, el guionista Sidney Buchman redacta de manera espléndida la historia original del escritor Lewis R. Foster, constituyendo una pieza maestra, que incluso si su elenco fuese de actores de menor peso, la sensación de genialidad narrativa sería la misma.

Sin embargo, es en la calidad interpretativa donde se concentra la pericia de esta estupenda pieza cinematográfica. James Stewart –quién cumple 10 años de fallecido el próximo 2007- se luce en uno de los papeles de su vida, dilucidando de manera brillante la personalidad de un activo quijote modernista. Por lo demás, las actuaciones de Claude Rains y Jean Arthur brillan tanto en sus emotivas expresiones, completamente introducidos hasta el fondo en sus personajes que, a su vez, funcionan como semejantes pilares de gran fundamento para la cinta.

No cabe duda de que el ojo fílmico de Frank Capra definitivamente fue y lo será siempre de lujo. Sus detalladas tomas, exactas en su contextura, otorgaban cierto estilo a las diferentes escenas, cada una de ellas captadas en su mejor amplitud, resaltando el drama en su punto, la raíces de un perfecto romance mezclado además con un humor bien pulcro, tan propio de los años 30’s y 40's. Imposible es no percatarse de la gravedad que obtenían los sucesivos actos de esta fenomenal cinta cuando Capra ponía su vista en el lente, concediendo evidente vitalidad a los personajes con sólo unas pocas cámaras y dos colores básicos de entrada.

Ya me habían dicho que el cine de antaño era mejor, pero yo porfiado, ignorando aquellos comentarios y dejándome llevar por el enorme avance de los futuristas efectos especiales de hoy en día, me pierdo películas tan esenciales de los años dorados como 'El Caballero sin espada', films que indiscutiblemente poseen esa cualidad que rara vez vemos en la actualidad, precisamemte en nuestra cartelera… mensajes directos, una clara misión humanitaria por difundir, y por sobre todo, mucha pasión. Demasiada.

• Escena de 'Mr. Smith Goes to Washington' en YouTube

• Archivo del 15 de abril de 2007.
  

Para Don Johnston (Bill Murray) el pasado ya es historia y el futuro ni siquiera es considerado como una alternativa para curar los males del trágico presente que lo invade. El peso de la edad y la soledad que por fin lo corroe lo están consumiendo de una vez y para siempre. Básicamente de esto va ‘Flores Rotas’, la última película a la fecha del ingenioso Jim Jarmusch, quién nuevamente hace uso de su tópico más preciado –el humor negro- para desarrollar una historia tan extravagante como cautivadora.

Don Johnston, justo después de ser abandonado por su última amante, Sherry (Julie Delpy) recibe una misteriosa carta de color rosa, proveniente de una antigua novia que le informa de que tiene un hijo de 19 años que podría estar buscándole. Don irremediablemente se ve obligado a investigar este misterio, y para ello consigue la ayuda de su mejor amigo y vecino, Winston (Jeffrey Wright). De esta forma Don se embarca en un viaje que le llevará a recorrer el país en busca de pistas sobre sus antiguos amores (Frances Conroy, Jessica Lange, Sharon Stone y Tilda Swinton). Sus inesperadas visitas a estas mujeres encierran sorpresas para Don, mientras descubre su vida a través de los recuerdos que revive del pasado.

Una metáfora del tiempo en retrospectiva panorámica de los años dorados, puede ser. No es mera coincidencia en lo absoluto que el primer encuentro sea pasionalmente perfecto, el segundo más reservado con la presencia notoria del lema “donde fuego hubo…”, el tercero frío y distante, y el cuarto netamente agresivo. Todas sus mujeres pasadas tienen una historia, que son parte de la vida de Johnston, y que repercuten en un presente mas funesto que sus días de juventud.

'Flores Rotas' es más que una cinta de reflexión acerca de la edad y los amores incompletos. Mucho más que eso, 'Flores Rotas' es una contemplación honesta sobre los errores del ayer, las vigentes repercusiones del presente y los desconocidos paraderos que concede caprichosamente el futuro, a medida que va transcurriendo los minutos del film. Lo que Jarmusch nos presenta, principalmente en el personaje de Bill Murray, es un innovador concepto de anti-héroe que extrañamente nos resulta bastante familiar.

Bill Murray no mueve ni un solo músculo de su rostro en cada una de las escenas, y con eso nos dice por lo menos unas cincuenta ideas. La imagen de un tipo mentalmente arruinado, con una facha de satírica melancolía ironía. Murray es la estrella de la película e impregna dosis de humor, de tristeza, de esperanza, y de rendición, y todo esto con una sola expresión facial.

Jarmusch además escoge una banda sonora que nos introduce en un mundo mucho más urbano e insólito de lo que la trama indica. Imaginen pizcas de Rock bien crudo de garaje, algo de jazz etiope y delicadas piezas de música clásica al mismo tiempo, algunos estoques de soul por parte de Marvin Gaye y contundentes dosis de sensualidad con la voz Holly Golightly, por ejemplo. Un excelente compilado que ayuda a diluir de mejor forma una película que lo tiene todo.

'Flores Rotas' es una cinta de culto, un ejercicio casi necesario para el buen entendimiento de una minoría condensada en el sufrimiento de dramas antiguos, casi insuperables, convirtiendo todas estas inmensas lagunas que causan pánico analizar, y que muchas veces han sido el tema más repetitivo en la pantalla grande, en simples reflexiones sobre la terrorífica y muy cotidiana idea de envejecer. Lo de Jarmusch es de lejos lo mejor que se ha estrenado ultimamente.

En 1995, Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric), periodista y prestigioso jefe de redacción de la famosa revista francesa Elle, sufre inesperadamente una embolia masiva que lo deja paralítico de cuerpo entero, imposibilitándolo de cualquier acción física, y cuyo único método de comunicación es el parpadeo de su ojo izquierdo. Jean-do permanece cautivo en lo que él llama una especie de escafandra, puesto que de mente se siente capaz de hacer miles de cosas que su cuerpo no responde, comparando a su imaginación con el impasible vuelo de una mariposa enclaustrada dentro de su escafandra. Como Jean-do era un hombre inquieto en su antigua vida decidió transportar esa energía a su fatídico presente, aprovechando su aun intacta memoria y el poder inmensurable de su imaginación para redactar a través del método que en el hospital una ortofonista le enseñó: un alfabeto ordenado por la frecuencia de aparición de las letras que ella lo repetía, para que él parpadeara en la letra deseada. Un guiño le servía para asentir; dos, para decir “no”. De esta forma Jean-do decide dimitirse de su incapacidad física para dar rienda suelta a la imaginación, y con la ayuda de una editora llamada Claude (Anne Consigny), y con mucho esfuerzo, consigue esbozar sus pensamientos en el libro de su vida, una autobiográfica y maravillosa obra titulada Le Scaphandre et le papillon, que Schnabel se ha dispuesto a cinematografiar con imperiosos resultados.

El eterno sufrimiento es llevado con inteligencia por Bauby hacia otros terrenos de la imaginación, y esta la principal gracia del film, lograr forjar en imágenes lo que Jean-do con mucha facilidad pensaba y con bastante trabajo exteriorizaba en palabras. Aquellos juegos de entelequia y fantasía que el protagonista realizaba para aventarse a como dé lugar de la escafandra son los coloridos escapes que endulzan esta amarga historia, suerte de recuerdos pasteurizados para alegrar la condición, negarse a sufrir por el futuro y memorar con añoranza lo ya vivido.

El director Julian Schnabel anteriormente había dirigido ‘Basquiat’ en 1996, y ‘Antes que anochezca’ (‘Before Night Falls’) en 2000, logrando captar la atención de algunos medios por su natural y franca forma de trazar historias tras las cámaras, más sin descollar como lo esperaba. Sin embargo todo lo anterior se resume a nada tomando en cuenta el trabajo realizado en ‘La escafandra y la mariposa’, pues el realizador se reivindica optando por un estilo más personal, de una excelente elaboración que denota a simple vista todo el esfuerzo de un trabajo impecable.

En esta cinta la fotografía es sublime, y esto es gracias al superlativo talento de Janusz Kaminski, camarógrafo que es colaborador habitual de Spielberg, y que prácticamente se interna dentro de Jean-do para provocar en el espectador esa sensación de desolación, logrando con creces apropiar el estremecimiento en cada toma. Detalles como la inclinación de la cámara, que indica la mirada de Jean-do, bastan para alabar el genio de Kaminski, que junto a Schnabel forman una excelente dupla.

Cabe destacar la increíble interpretación del actor Mathieu Amalric como Jean-Dominique, un actor que es capaz de contrastar de forma soberbia el estado vegetal, para luego volver al flashback y recordar aquellos tiempos en que era dueño de los movimientos de su cuerpo. El elenco restante, por cierto, está más que bueno, increíble. Impresiona básicamente el papel de Emmanuelle Seigner como Céline, la esposa de Jean-do que conforma los momentos más conmovedores del film.

Por otra parte, la música está de lujo, sólo ocho canciones bastan para musicalizar toda esta obra; la rockera “Chains Of Love” de The Dirtbombs, la agridulce “All The World Is Green” del maestro Tom Waits, el suave terciopelo de “Don't Kiss Me Goodbye” de Ultra Orange & Emmanuelle y “Pale Blue Eyes” de la Velvet Underground y una enternecedora y profunda tonada en piano de Paul Cantelon como broche de oro, son algunas de las canciones que conforman este soundtrack.

‘La escafandra y la mariposa’ es una película hermosa, con momentos de culto que a nadie dejará indiferente. Recomiendo que la vean principalmente por su mensaje, no obstante todo el arte esparcido en esta gran obra contribuye a que sea un título de necesario visionado.